Non conosco nulla di più triste di una inaugurazione. Gruppetti che parlottano. Il pittore coll’abito nuovo. Tutti restano in piedi e sembra che aspettino qualcosa. Lo si direbbe un matrimonio al quale la sposa non arrivi.
Impossibile guardare le tele che si danneggiano l’un l’altra. Che fare? Forse, rompere il silenzio d’oltretomba con un’orchestra.
O forse chiedere una mano ai clown Fratellini e al signor Lionel. Presenterebbero le tele, ne strapperebbero qualcuna falsa, obbligherebbero un compare a capire il cubismo rompendogli in testa una chitarra.
Ci si annoierebbe di meno.
(Jean Cocteau, Il richiamo all'ordine, Einaudi 1990)

1. Perché esistono giovani esseri umani
Perché esistono giovani esseri umani che, agli albori degli anni Duemila, s’incaponiscono a voler fare quel mestiere assurdo, astruso, sovente infruttuoso e apparentemente del tutto inutile qual è quello dell’artista? E, soprattutto: perché diavolo, all’interno di quel marasma di bizzarrie senza capo né coda che contraddistingue la cosiddetta arte contemporanea (fatta per lo più di inutilissime installazioni, di demenziali performance, di video mal fatti e di banalissime fotografie) – nella quale teoricamente basterebbe avere un briciolo di furbizia e un pizzico di fortuna per sfondare, e dove, in ogni caso, non serve alcuna capacità tecnica -, perché diavolo, dicevo, all’interno di quel marasma chiamato arte contemporanea, essi hanno scelto proprio il mestiere tutt’altro che semplice del pittore? E chi lo sa, verrebbe da rispondere; o, come ha difatti risposto uno degli artisti selezionati per questa seconda edizione del Premio Italian Factory per la giovane pittura italiana: “bella domanda!” – che è poi la stessa cosa, sebbene detta in maniera differente. Ma, poiché abbiamo scelto un altrettanto assurdo, astruso, sovente infruttuoso e apparentemente del tutto inutile mestiere, qual è per l’appunto quello del critico, ci tocca di tentar di dire qualcosa di maggiormente sensato. E perciò ci proveremo.
Potremmo innanzitutto rispondere alla suddetta domanda con quella che Tom Wolfe, in quello straordinario libretto che è Come ottenere il successo in arte, descrive in poche e decisive parole: “… la ricompensa dell’artista è abbastanza ovvia: egli guadagna esattamente ciò che, secondo Freud, è lo scopo dell’artista: la fama, il denaro e delle bellissime amanti” – col che, l’autore sembra sottindendere dunque che l’artista emergente sia spinto ad atteggiarsi per l’appunto ad artista emergente per un sottaciuto desiderio di snobismo: essendo, da almeno un secolo, l’arte governata per lo più dallo snobismo, ovvero dal fatto che fare arte (e occuparsi d’arte) è quantomai chic (“Negli anni Venti l’arte moderna divenne socialmente chic negli ambienti bene di Parigi, Londra, Berlino e New York”: così Tom Wolfe, ancora nel succitato librettino edito in Italia da Allemandi. “Era elegante parlarne, scriverne, entusiasmarsene e rubarne le idee (…) In quegli anni l’arte moderna ottenne la definitiva consacrazione sociale: i decoratori d’interni ne fecero man bassa per gli appartamenti di Belgravia e del seizième”). Tuttavia, abbiamo tutti bene in mente (e chi non ce l’avesse è bene che se lo ficchi nella zucca fin d’ora, prima che sia troppo tardi) che oggi, negli anni Duemila e quanto, se fare l’artista potrebbe (in parte) ancora tutto sommato esser considerato alquanto chic, fare il pittore lo è però molto di meno, se non addirittura per nulla. Ben più chic è, per esempio, fare il fotografo, o l’attore, o lo stilista. Persino fare il critico è più chic del pittore, giacché presuppone un certo grado di potere che al pittore invece generalmente manca. Ora, se credete che stia menando il can per l’aia, vi sbgagliate di grosso. Sto andando dritto al cuore del problema. Già, perché il grado di chic (o se preferite italianizzarlo, di sciccheria) attribuito a un determinato mestiere è direttamente proporzionale alla considerazione sociale che il medesimo mestiere porta con sé. Per dirla in altre parole: se oggi fare il pittore è poco chic, è perché la pittura ha ormai perduto qualsiasi considerazione sociale in quanto portatrice di senso, ergo come catalizzatrice di potere, di denaro e di possibilià di conquistarsi le famose amanti, o belle donne che sia, di cui parlava Tom Wolfe (o i begli uomini, a seconda delle tendenze sessuali di chi la pratica). Questo fatto è una diretta conseguenza della progressiva disgregazione dell’idea della pittura quale interprete massima (o comunque una delle massime interpreti) del concetto di modernità: da Duchamp in poi, la pittura ha infatti subìto un processo di erosione costante del proprio statuto più profondo. “Fare il pittore” e “fare l’artista” sono diventati progressivamente termini antinomici, perfettamente contrastanti tra loro, al punto che anche all’ultima studentessa di un qualsivoglia corso per curatori dilettanti è oggi permesso di scrivere frasi del tipo: “XXX è un bravo pittore. Ma questo è sufficiente, oggi, per dirsi un artista?”.

2. Se tutti ti dicono che sei un genio
“Se tutti ti dicono che sei un genio, sei sulla buona strada per diventare un coglione”. A dirlo è uno che di queste cose (di genio, di coglioneria e anche del far flanella diventando l’artista più celebre dell’universo mondo, oggi, anni Duemila e quanto), che si chiama Damien Hirst. Lo scrive nel suo buffo e quantomai cialtronesco Manuale per giovani artisti, edito da Postmedia books. E, siccome è detto da uno come lui, che a furia di sentirsi dire che era un genio è diventato un coglione, sì, ma miliardario e rispettatissimo, faremo bene a credergli. Fatto sta che, oggi, un giovane che voglia entrare nella Grande Prateria dell’Arte dalla porta principale, ovvero che vorrà farsi dire da tutti, oggi, che è per l’appunto un genio, e non soltanto un imbrattatele, farà di tutto fuor che cimentarsi con la pittura. E invece. E invece, guarda un po’ cosa ti scopriamo: 500 adesioni a un concorso di pittura, manco fatto da un’istituzione pubblica. 500 nomi! E tutti under 30! Come lo spieghiamo? Già: come lo spieghiamo? Ora proverò a far la persona seria, e per l’appunto cercherò di spiegarlo. Il fatto è che, se per ora la pittura non è ancora “tornata di moda” (non inorridite subito, giacché l’arte ha un gran daffare con l’idea di “moda”, checché ne pensino gli ingenui e i talebani di diversa estrazione, e più tardi arriveremo a dimostrare anche questo), tuttavia è sulla buona strada per tornare a diventarlo. Mi diceva appunto un mio amico, pittore valentissimo e raffinatissimo, che quando va in discoteca e qualcuno gli chiede (egli è infatti alquanto belloccio, e dunque “incontra parecchio”, come diceva mia zia), e qualcuno, dicevo, un tale qualsiasi, un bullo di periferia o una parrucchiera di Parabiago, gli chiede: “cosa fai?”, lui risponde, pronto (ormai ha imparato la lezione): “il fotografo”; giacché fa molto più cool, nelle mentovate periferie dell’impero, che dire “il pittore” (pittore, nel medio-basso immaginario collettivo italiano, è uguale a bohemièn, ergo squattrinato, ergo sfigato). Eppure, il solito amico raffinatissimo pittore, se se ne va invece all’estero, per esempio negli States, dove ha molti amici, e a un party gli rivolgono la stessa domanda, lui risponde subito: “A painter”. Al che, l’interlocutore di solito gli risponde immediatamente, con aria eccitata: “A painter! Wow!” (e nella sua testa di americano, scommetteteci che si farà subito un’equazione: pittore+italiano+bello = il massimo del cool). Col che, ne deduciamo due cose: che, a) in Italia siamo ancora rimasti indietro, e crediamo che fare il pittore sia per l’appunto un’attività bohèmien, ergo da sfigati: b) che in America, e di conseguenza fra un po’ nell’universo tutto, il pittore sta risalendo la vetta della classifica della sfiga, specie se bello, bravo e italiano. E perché proprio italiano? Che diamine, perché siamo per l’appunto il paese di Leonardo (grazie al Codice da Vinci, ora quel po’ po’ di genio lo conoscono persino nel Wisconsin), di Raphael, e di Michelangelo. Nelle Accademie italiane, però - come del resto nelle discoteche di Nonantola e giù di lì - non se ne sono ancora accorti: ed è pur vero; e dunque chi le frequenta deve inventarsi una professione alternativa, tipo il fotografo (nel caso delle discoteche), il videoartista (nel caso delle Accademie) o altre simili bestialità modaiole (giacché, per dirla ancora con Tom Wolfe: “oggi arte e moda sono i due volti della stessa bestia; gli artisti possono strillare fin che vogliono contro la moda, ma non riescono a staccarsene”). E non solo lì: anche nelle riviste cool, come per esempio Flash Art, non sembrano essersene ancora accorti, a giudicare dalla quantità di fuffa (videoarte, brutte foto, installazioni, brutte foto, giochini per bambini deficenti, brutte foto, provocazioni, brutte foto, e via di questo passo) che ci presentano bimensilmente: anche se ogni tanto, per dare un colpo al cerchio e uno alla botte, fanno un bel servizio sulla nuova pittura italiana, salvo poi sbagliare regolarmente tutti i nomi, pur di non fare quelli che non hanno scoperto loro, ma che abbiamo invece in genere scoperto noi - ovvero quasi tutti quelli che hanno successo oggi in Italia; stesso identico discorso per quelle (le riviste) per niente cool, come ad esempio - tanto per non far nomi - Arte Mondadori, le quali sono addirittura convinte che stia cominciando a diventar di moda la fotografia! (sic). Insomma, gli addetti ai lavori, come si amava dire degli inquirenti ai bei tempi di Blu Notte (ah!, bei tempi quelli: si andava per lo meno in tivù, io e il mio amico Viganò!), essi brancolano nel buio (non starò a dire poi della Biennale di Venezia, poiché, quella, quanto a brancolare, brancola da anni, essendo abbonata ad arrivare in ritardo su ogni cosa con una certa determinazione, soprattutto se a dirigerla è un tale che a fare il pittore ci ha anche provato, in gioventù, ma avendo miseramente fallito non ama rivangare il passato; e quando lo fa, lo fa così malaccortamente, che era meglio per l’appunto che non l’avesse fatto per nulla). Il fatto è che, invece, ad accorgersene, che i pittori son di nuovo lì lì per scalare verso l’alto la classifica della sfiga nell’immaginario collettivo, sono però quelli che, per l’appunto, se ne dovevano per forza accorgere: i giovani artisti, o aspiranti tali, che diamine! - insomma i partecipanti a questo benedetto Premio Italian Factory per la giovane pittura italiana.

3. Ma insomma, perché lo fanno?
Ma insomma, perché lo fanno?, vi domanderete voi: davvero per una cosa così bassa e ininfluente come la moda?, ovvero per sentirsi, che Idddio ne scampi e liberi, “cool”? Ma no, ma no: rassicuratevi. Perché, se da una parte è indubbio che la moda influenzi a livello subliminale le nostre scelte, dall’altra le motivazioni profonde dei nostri comportamenti e delle nostre scelte esistenziali sono da ricercare altrove. Basta scorrere, a mo’ d’esempio, le motivazioni adottate dai nostri partecipanti al Premio alla famosa domanda “perché dipingi?”. Esse sono le più varie, e quasi sempre fortemente esistenziali, sebbene a volte non esenti da ironia: “per non affogare” (Giunta), “dipingere per me equivale a respirare” (Coruzzi) - con la variante della contro-domanda retorica: “perché si respira?” (Bramati) -, “perché da quando ho cominciato non sono più riuscita a smettere” (Depredini), “perché non c’è altro che mi soddisfa quanto la pittura… non potrei farne a meno” (Karanovic), “per scelta” (Collu), “perché è il mezzo di espressione più consono a me stessa” (Ferla); e sovente, addirittura, spirituali: “per capire: per trovare Dio e capire me stesso” (1/2 Botta), perché è un modo di “guardare verso le stelle” (Despotovic), per una “ricerca perpetua di perfezione e di equilibrio interiore”, dove “corpo e anima pensano e lavorano insieme” (Faro). D’altra parte, se la motivazione fosse davvero “una questione di moda”, è ben vero che la moda passa. Per dirla ancora con Damien Hirst: “La gente ti mette dove sei, però alla fine se sei uno che va di moda, passi. Non puoi farci niente, non importa se il lavoro è bello. La gente dice: ‘Oooh, hai un Damien Hirst?’. La prossima settimana indosseranno dei lustrini” (e ha ragione da vendere, che diamine!).
Ma il fatto è che la moda, che tutti fanno finta non essere veramente importante, per lo meno nelle cose serie, è alla fine fine non solo il motivo per cui alle volte si fa ciò che si fa (è cool, dunque io ho voglia di fare una certa cosa), ma è anche una buona cartina di tornasole di ciò che si crede abbia un senso in una società. E’, come si diceva un tempo, lo specchio di una società. Le motivazioni per cui un giovane artista è portato a utlizzare il mezzo pittorico sono esistenziali, ma il fatto che siano così in tanti, oggi, a tornare a usare i pennelli determina una moda. La pittura, in poche parole, sta tornando di moda. E se, fino a poco temnpo fa, la pittura non era di moda, era perché, come abbiamo detto prima, sembrava non avere più alcun senso fare il pittore oggi. Sembrava essere poco contemporaneo! Poco al passo con i tempi! E questo perché è avvenuto? Perché, dall’inizio del Novecento in poi, sono state progressivamente messe in crisi le categorie stesse del fare arte: lo stesso concetto di stile, con l’irrompere sulla scena delle avanguardie, si è assottigliato ed eroso progressivamente, fino a scomparire definitivamente e in maniera (apparentemente) ineluttabile. Non era più vissuto come importante, in arte, il come esprimere un concetto, ma solo il fatto stesso di esprimerlo. La dittatura dello stile, uno dei maggiori diktat dell’arte moderna, con la contemporaneità è stata sostituita da un’altra e assai differente dittatura, quella del concetto. Chi non aveva un buona “base teorica” (vera o fasulla) per fare ciò che stava facendo, non aveva senso neppure che facesse alcunché. D’altra parte, chi aveva (o sapeva far credere di avere) una buona “ragione”, dunque una “base teorica” per fare qualcosa, poteva (o può tutt’ora) utilizzare qualunque tecnica: pittura anacronista, scultura eseguita da artigiani, ghirigori col pongo, gare di sputi, tornei di bocce, disegnini delle nonne, pallavolo, tornei di ping pong… qualsiasi cosa, purché sotto ci fosse il famoso “concetto” (ma cosa sarà mai, poi, questo concetto?). Il “trucco” è, dunque, da quasi cent’anni a questa parte, avere un’idea, qualsiasi essa sia (proprio, guarda caso, come avviene in pubblicità: e dovremo pur riflettere, prima o poi, su questo progressivo schiacciamento dell’arte su un’estetica e un’ideologia da réclame): anche l’idea più banale, malamamente riciclata dalla politica, dalla filosofia, dalla sociologia d’accatto; l’importante è avere una giustificazione, meglio se sociologica, politica, etica: poiché essere etici, oggi, è assolutamente cool. Alle teorie estetiche, oggi, si sono infatti sotituite le teorie etiche. Questo stato di veglia ipnotica etico-sociologica dell’arte, per cui ai concetti di “stile”, di “linguaggio” e di “tecnica” è stato sotituito un impianto teorico imparaticcio dalle altre discipline umanistico-scientifiche, una sorta di magma sociologico-politico che farebbe impallidire qualsiasi studentello al primo anno d’università, è del resto una diretta derivazione delle teorie (teorie?) post-sessantottine. L’arte di oggi vive, poveretta, sotto la gogna teorica degli anni Settanta. Quelli che allora erano gli slogan della politica (uno per tutti: “il privato è politico”), sono diventati gli slogan dell’arte (“l’artistico è politico”). Eppure. Eppure, anche nell’arte, un ideale Muro di Berlino ha cominciato in questi anni a cadere. Anche se gli addetti ai lavori non se ne sono ancora accorti, poiché brancolano nel famoso buio. Anche se le Biennali furoreggiano con gare di impegno e di (presunta) eticità. Anche se. Gli unici ad accorgersene, però, sono stati i giovani artisti. Che hanno ricominciato, chi a dipingere, chi a scolpire, chi a disegnare. Insomma, a lavorare.

4. Il vento è cominciato a cambiare
Il vento è cominciato a cambiare già da qualche anno. Che cos’è successo? E’ successo che, tra gli anni Novanta e il Duemila, si è assistito a una forte inversione di rotta nell’approccio artistico da parte delle generazioni più giovani. Di contro a una linea palesemente dominante fino a pochi anni fa, quella appunto di marca vagamente neodada e dagli evidenti retaggi concettuali, dove il rifiuto dello stile (di uno stile unificante e caratterizzante il lavoro dell’artista) e dell’identificazione con un singolo linguaggio appariva come uno degli elementi centrali e fondanti, è infatti emerso, in questi ultimi dieci-quindici anni, un atteggiamento di maggiore leggerezza e fluidità nell’approccio all’opera, che ha permesso agli artisti di avvicinarsi con un atteggiamento più laico e meno ideologico alla stessa pratica artistica, attraversando trasversalmente il grande bacino della storia dell’arte come quello della quotidianità o della cronaca senza complessi passatisti o atteggiamenti forzatamente intellettualistici. E tornando, vivaddio, a confrontarsi coi problemi del linguaggio: qualsiasi esso sia (pittorico, scultoreo, installativo, fotografico, quel che volete). In particolare, in Europa è emersa una generazione di pittori (e di scultori) fortemente connotata e coerente, seppure con grandi differenze stilistiche e contenutistiche, che ha ripreso a lavorare approfonditamente sullo specifico della propria tradizione linguistica, sulla sua storia e sulla sua trasformazione, riallacciandosi alle diverse koiné nazionali e regionali presenti nei propri paesi d’origine: pensiamo alla tradizione della pittura anglossassone, fortemente connotata e di grande impatto e novità anche nelle sue più recenti declinazioni, o a quella tedesca, che in questi ultimi anni è tornata ad avere grande slancio con forti connotazioni di realismo sociale. All’interno di questo quadro generale, la nuova scuola pittorica e scultorea italiana ha subito negli ultimi anni un fortissimo processo di rinnovamento e di rielaborazione critica, distinguendosi per alcune caratteristiche di base, che da una parte la inseriscono perfettamente e coerentemente nel più generale clima di risveglio e ridefinizione di una nuova pittura intelligente, ironica, coltissima ma insofferente all’ormai fin troppo trito gioco della citazione e del repechâge di marca postmoderna che aveva invece caratterizzato la generazione precedente, e dall’altra la sta imponendo come una delle esperienze più interessanti e nuove della più recente scena artistica europea. In questo quadro, manco a dirlo, Italian Factory ha giocato – e gioca – un ruolo fondamentale. Quello di Italian Factory, infatti, è apparso subito (fin dal suo apparire, nel 2003) come un fenomeno strano, una specie di “corpo estraneo” all’interno del sistema, solitamente piatto e privo di grandi novità, dell’arte contemporanea italiana. Benché al suo interno vi fossero e vi siano tutt’ora artisti dal percorso lineare e in qualche modo (apparentemente) “tradizionale”, oltre che fortemente “classici” dal punto di vista linguistico, con alle spalle una loro storia già fortemente connotata - come Velasco, Giuseppe Bergomi, Marco Petrus o Bernardo Siciliano -, il gruppo Italian Factory è apparso e si è connotato subito come un curioso mix di innovazione e di “ritorno all’ordine”, di rottura degli schemi e di spregiudicatezza commerciale, sia dal punto di vista intellettuale che da quello del marketing e del mercato. Una sorta di “movimento d’avanguardia”, insomma, che pur guardando e recuperando le radici linguistiche della tradizione italiana, ha saputo inserirsi nel sistema dell’arte come una sorta di “virus” utilizzando, con una forte consapevolezza e una grande capacità di sfruttare le regole interne al sistema, oltre che con una certa dose di spregiudicatezza, gli strumenti del marketing, della comunicazione, della pubblicità, oltre alla capacità di saper cogliere in anticipo i desideri e le ragioni del mercato diffuso. E’ stato, insomma, per la prima volta da decenni, di nuovo un movimento: un movimento d’avanguardia, mimetizzato, “travestito” però, perfettamente, da qualcosa d’altro. Un movimento nato non da esigenze “esterne”, mentali o politiche, di un curatore, ma nato realmente dal “basso”, dalla “base”, dalla reale esistenza, in Italia, di un bacino di artisti che, fin dalla metà degli anni Ottanta, dunque in pieno trionfo postmoderno di concetti quali l’ibridazione, la negazione dello stile, il nomadismo culturale, la carnevalizzazione e via postmodernamente discorrendo, aveva, invece, ricominciato a lavorare in direzione contraria, ovvero sullo specifico dei linguaggi prevalenti della tradizione italiana - quelli della pittura e della scultura -, con serietà, impegno, rigore, in assoluta controtendenza rispetto alle parole d’ordine allora tanto in voga, anticipando dunque i tempi di un “ritorno allo stile” ancora ben al di là da venire; ma, tuttavia, senza alcun atteggiamento “rétrò”, anacronistico, di arroccamento in ideali torri d’avorio; au contraire: non disdegnando, semmai, tra gli insegnamenti del postmodern, alcune caratteristiche di base, quali ad esempio la riscoperta (e la conseguente ridefinizione) del genere, e in particolare dei generi del paesaggio e del ritratto, in un contesto che si interfacciava perfettamente con il ritorno al genere che ha permeato l’intera cultura postmoderna (pensiamo all’esplosione del noir e della science fiction, ma anche a generi minoritari come quello del porno, del romanzo rosa o persino del western), spesso con un atteggiamento volutamente ironico, dissacrante, divertito: per segnalarne apertamente le sue convenzioni, e per “giocare” con esse (riguardo al ”ritorno al genere” che ha segnato la cultura artistica del decennio scorso, vedi catalogo della mia mostra Sui generis, tenutasi al Padiglione d’arte contemporanea di Milano nel 2000-2001, dove è emersa per la prima volta la “nuova scena artistica italiana”, diretto antesignano di ciò che in seguito si strutturerà con la creazione del gruppo Italian Factory, tra la curiosità e l’entusiasmo del pubblico vasto - oltre 20mila visitatori, in tempi di vacche magre per l’arte contemporanea -, e l’indifferenza, quando non l’odio furibondo e stizzito, del “gruppo ristretto”, miope e mafiosetto degli addetti ai lavori, i quali non sapevano capacitarsi di non aver saputo leggere per tempo ciò stava accadendo proprio sotto i suoi occhi – salvo poi far caute aperture in seguito, e ammettere a denti stretti, quando il mercato non faceva che consacrare ciò che avevo posto sotto gli occhi di tutti, che qualcosa stava effettivamente accadendo in Italia).

5. Dice l’enciclopedia dell’arte
Dice l’enciclopedia dell’arte Zanichelli che Italian Factory (al quale è stato dedicato un lemma) è un “termine coniato nel 2003 dal critico Alessandro Riva per indicare la nuova scena artistica italiana, ovvero un gruppo non strutturato di giovani rappresentanti la nuova figurazione, accomunati dal recupero e dalla ridefinizione della tradizione artistica italiana, unitamente all’apertura verso tematiche e linguaggi attuali. Il gruppo Italian Factory organizza mostre, realizza campagne pubblicitarie e operazioni di merchandising”. Il fatto che anche un’enciclopedia abbia già capito, a soli tre anni dalla nascita di Italian Factory, ciò che gli altri, ovvero i soliti addetti ai lavori (quelli che sulle cose ci arrivano, invece, con un bel po’ di ritardo) non sono ancora riusciti, o non hanno voluto, vedere, è sintomatico della sclerosi artistica italiana. Italian Factory, che piaccia o no, è sì un movimento, ma che ha scelto, per la sua stessa sopravvivenza, e anche perché questo è l’unico linguaggio che a un’avanguardia oggi sia concesso di utilizzare, di mimetizzarsi col linguaggio del marketing, della pubblicità, del merchandising. E, dunque, un movimento che utilizza l’unico linguaggio oggi consentito: per l’appunto quello del mercato, della pubblicità, del marketing (anche in maniera atipica e controcorrente, come nel caso dell’utilizzo diffuso del “guerrilla marketing”, volendo, come nei casi dei mega-manifesti “Vota Velasco”, la campagna ideata con la complicità di Oliviero Toscani, o degli stikers Italian Factory che ricoprivano tutte le calli veneziane alla Biennale del 2003). L’Enciclopedia Zanichelli, in fondo, nella sua sinteticità, aveva già compreso i tre punti fondamentali che caratterizzano il movimento: “recupero e ridefinizione della tradizione artistica italiana”, “apertura verso tematiche e linguaggi attuali”, e “campagne pubblicitarie e operazioni di merchandising”. Nella triangolazione di questi tre elementi è sintetizzata tutta la filosofia di Italian Factory, e del nuovo movimento artistico italiano. Per il pubblico generico, per gli artisti, per i collezionisti, per migliaia di persone che guardano ai fenomeni artistici senza paraocchi, l’avvento di Italian Factory è stata una boccata d’ossigeno in un sistema asfittico, immobilista e privo di idee. Per le piccole cricche mercantili, le lobby di potere, il partito degli esterofili di professione e della “negazione dello stile”, perenni affossatori di ciò che viene dal cuore profondo dell’Italia, è stato un cancro da combattere con virulenza. Il “sistema artistico” italiano, questa brutta bestia governata da una piccola cricca di persone senza idee ma con il perenne desiderio di non far passare se non ciò che fa comodo all’immobilismo del sistema stesso, ha messo sistematicamente i bastoni tra le ruote al nascente movimento. Ma, per dirla schietta, non ci hanno fatto un baffo. Del resto, questo avviene in Italia, un paesotto dove chi s’inventa un nuovo modo di pensare viene sempre giudicato, quando va bene, un pericoloso avventurista, o un facinoroso, o un opportunista, e viene sistematicamente emarginato ed esilitato dalla cricca dei conformisti esterofili, che governano, nell’ordine: le Biennali, i musei pubblici, le riviste d’arte, le grandi fiere. Ma altrove, per esempio in Inghilterra, già da più d’un lustro un signore di nome Charles Saatchi applicava metodologie prelevate dal mondo della pubblicità per promuovere la nuova generazione artistica britannica; e analoghi esperimenti facevano, seppure in maniera sporadica e menio sistematica, altrove alcuni artisti isolati: penso a Mark Kostabi negli Stati Uniti, e a Murakami a Tokyo. In Italia, oggi la strada è ancora lunga e in salita. Ma gli artisti hanno cominciato ad annusare l’aria: siamo agli albori di una nuovo modo di vedere e praticare l’arte. Anche di un nuovo modo di pensare, e di lavorare, sui fenomeni artistici. Il rinnovamento è partito da dove meno ce lo si apsettava: dalla riscoperta, e dal rinnovamento, del linguaggio della tradizione italiana per eccellenza, quello della pittura, al punto da caratterizzarsi come l’avanguardia, l’unica vera avanguardia, della piccola-grande rivoluzione artistica di questi ultimi dieci anni in Italia. Tra le caratteristiche principali di questa piccola-grande rivoluzione ci sono tutti quegli elementi che possiamo facilmente ritrovare e riconoscere anche nella rosa dei selezionati per questa seconda edizione del Premio Italian Factory per la giovane pittura: attenzione alla tradizione specifica del linguaggio mescolata con elementi (temi, soggetti, taglio, luce, composizione del quadro, etc.) prelevati “di peso” dalle forme, soprattutto mediali, della contemporaneità; l’incessante mixaggio di cultura alta e bassa, di origine neopop; l’attenzione agli altri linguaggi, attraverso la mescolanza tra i diversi media, o l’ammiccamento, all’interno dello specifico del linguaggio pittorico, ad altri linguaggi, quali la fotografia o il video, o ancora la forzata parodia degli stessi, o la contaminazione tra un linguaggio e l’altro, come nel caso degli artisti che mescolano plotter painting e pittura a olio tradizionale; il superamento della pittura come l’unico linguaggio possibile, e allo stesso tempo una grande attenzione alle tecniche e ai trucchi della “buona pittura”: ovvero da una parte il rifiuto del pressapochismo tecnico della “cattiva pittura” (la famosa Bad painting di origine anglosassone) come escamotage troppo facile per “raccontare” la contemporaneità; dall’altra, però, anche il non chiudersi nel puro virtuosismo tecnico. E infine il recupero, anche in pittura, di dialetti, di slang regionali, di argot linguistici e localistici ironicamente trasportati su un orizzonte internazionale, attraverso la creazione di un nuovo linguaggio, un gergo, una nuova, grande koinè generazionale. Questi elementi, oggi, sono alla base di quel grande serbatoio di suggestioni e di stimoli da cui sta nascenbdio la nuovissima generazione di artisti Italian Factory, quella che domani dominerà la scena artistica, che piaccia o no ai guardiani della piccola cricca del potere. La generazione a cui noi tutti, oggi, guardiamo con interesse, curiosità, entusiasmo. Facciamoli crescere, facciamoli lavorare. Ci riserveranno delle sorprese.

22 gennaio 2005